Une nouvelle impulsion pour ArtNîm

ArtNîm, Foire Internationale d’Art Contemporain, revient du vendredi 23 au lundi 26 septembre au Parc Expo de Nîmes.

En 2010, ArtNîm a bénéficié d‟une nouvelle impulsion grâce à la présence d‟une trentaine de galeries dont plus de la moitié n‟avaient jamais exposé à Nîmes auparavant.

Sous l’égide de Geneviève Maurizi, la 11ème édition de la Foire d‟Art Contemporain Méditerranée a su reconquérir son public. En plus de la rencontre avec les différentes galeries, près de 8 000 visiteurs ont pu admirer l‟exposition de prestige « Déjeuners sur l‟Herbe » et découvrir les oeuvres sélectionnées lors d‟un concours de dessin mis en place en partenariat avec la société Canson.

Pour sa 12ème édition, la Foire Internationale d‟Art Contemporain confirme son statut de grand évènement artistique dans le sud de la France.
Manifestation commerciale et artistique, ArtNîm réaffirme son objectif : celui de refléter la vitalité du marché de l‟art.

Un évènement incontournable

Le grand évènement de cette nouvelle édition est la présence d‟une exposition de prestige exceptionnelle, prêtée par un mécène privé, regroupant des oeuvres d‟artistes de renommée internationale tels que Paul Rebeyrolle, Dado, Witkin ou Karel Appel … Une exposition à ne manquer sous aucun prétexte !

Cette année, Le Livre d‟Art s‟associe à cet évènement et remettra un prix spécial.

Lors de la foire, le public pourra découvrir les 30 oeuvres présélectionnées lors de ce concours sur le stand de la Tribu des Artistes.

Cette année, l‟accent a été mis sur la diversité et le renouveau des galeries présentes. Ainsi, les collectionneurs, les amateurs d‟art et le grand public pourront admirer des oeuvres d‟artistes de renom, mais également celles de jeunes talents émergents grâce à la participation d‟une quarantaine de galeries.

ArtNîm 2011 reçoit également le MIAM, Musée International des Arts Modestes de Sète, qui viendra fêter ses 10 ans au coeur de la Foire d‟Art Contemporain.

ArtNîm 2011

Egalement, Alain Corté, collectionneur (disciple du collectionneur Clayeux), présentera pour la première fois des lettres et des correspondances jamais exposées de Charles Baudelaire, Jacques Prévert, Prosper Mérimé, Céline, etc…

En parallèle, des animations et des conférences seront organisées, notamment sur le thème du concours dessin : « Du spirituel dans l‟art».

La Maison de la Gravure revient cette année encore sur ArtNîm et offrira des performances d‟artistes sur son stand au cours de la foire.

Le Crac Médias Forum viendra également présenter des vidéos d‟art contemporain afin de compléter la diversité des formes d‟art présentes sur le salon.
Sur tous les plans, ArtNîm, qui se déroulera du vendredi 23 au lundi 26 septembre, promet de satisfaire les nombreux visiteurs attendus.

Du vendredi 23 au lundi 26 septembre 2011
Ouverture au public : 11h-19h
Vernissage : jeudi 22 septembre (sur invitation)
Soirée de l’Art: vendredi 23 sept. jusqu’à 22h
Fermeture lundi 26 sept. à 18h
Lieu : Nîmes Parc Expo – 230 avenue du Languedoc 30918 NÎMES
Tarifs : Entrée générale : 6€ – Tarif réduit : 4€ (gratuit pour les -10ans)

En savoir + sur ArtNîm :

Depuis quelques années maintenant, ArtNîm a la volonté de faire découvrir à son public des expositions de prestige au sein de la foire d‟art contemporain.

Déjà en 2005, ARTENÎM présentait une exposition d’oeuvres inédites inspirées du personnage de “Don Quichotte », laquelle remporta un grand succès.

L‟an passé, ARTNÎM proposait une nouvelle exposition particulièrement originale et de très haute qualité, articulée autour du tableau «Le déjeuner sur l‟herbe», une des plus grandes toiles d‟Edouard Manet. Cette exposition, issue d‟une collection privée, a rassemblé une vingtaine d‟artistes contemporains à qui l‟on a proposé de se réapproprier le tableau mythique.

Celle-ci regroupe des oeuvres d’artistes de renommée internationale tels que Paul Rebeyrolle, Dado, Karel Appel ou Witkin, issues des fonds de l‟Abbaye d‟Auberive.

L’Abbaye d’Auberive, Monument Historique et Centre d’Art Contemporain

L’Abbaye d’Auberive, fondée en 1135 par des moines cisterciens venus de l’Abbaye de Clairvaux, est un véritable témoin de notre passé, toujours inscrite et active dans son temps.

Située dans le département de Haute-Marne, l’Abbaye d’Auberive est un des Centres d’Art Contemporain les plus accomplis de France. Site historique qui mérite une grande attention, cette abbaye accueille aussi en son sein « l’art le plus âpre, le plus dur et le plus troublant », selon Christian Noorbergen.

« Les oeuvres montrées plutôt qu’exposées, sont d’éblouissantes taches d’âme qui distraient les déserts du temps. Qui occupent un espace d’une incroyable densité. Et l’abbaye est à leur hauteur, elle ne les écrase pas non plus du poids de sa grandeur et de son passé. Elle accompagne… » (Christian Noorbergen)

Dans le but de faire voir et faire connaître l’art expressionniste en France, l’Abbaye d’Auberive donne la possibilité de découvrir de nombreux artistes de ce courant en les exposant. En effet, l’abbaye renferme un riche fonds d’art brut et d’art de marges de Rebeyrolle à Rustin, de Lydie Arickx à Nitkowski ; et propose parallèlement des expositions temporaires chaque année.

Dans cette démarche de mettre en lumière l‟art contemporain, l‟Abbaye d‟Auberive offre à ArtNim l‟opportunité d‟exposer certaines de ces oeuvres sur l‟édition 2011, au sein d‟une exposition exceptionnelle.

Le Musée International des Arts Modestes (34 – Sète)

Le Musée International des Arts Modestes fondé par les artistes Hervé Di Rosa et Bernard Belluc a ouvert ses portes à Sète en novembre 2000.
Réaménagé dans un ancien chai à vin par l‟architecte Patrick Bouchain, le MIAM est un laboratoire ouvert aux artistes de toutes générations et de tous horizons.

Le MIAM fait des créations marginales ou périphériques le coeur de sa réflexion et favorise la circulation des regards entre la culture savante et la culture populaire, ouvert sur le monde et ses multiples réalités, il se propose de dépasser les frontières des genres, de traverser les cultures et d‟éclairer ces productions modestes trop vite reléguées au second plan mais qui pourtant ont toujours été source d‟inspiration pour les artistes. Il peut se définir également comme un lieu de débat et de dialogue, fortement engagé sur des questions de décloisonnement artistique et de diversité culturelle, et souvent tourné vers l‟étude des phénomènes de société qui donnent lieu à des expressions artistiques nouvelles.

Le MIAM abrite les collections de ses deux fondateurs. Ce fonds est constitué de milliers d‟objets emblématiques de l‟art modeste, objets aimés et collectionnés, manufacturés ou artisanaux. Ce sont pour l‟essentiel des jouets, des figurines, des gadgets et toutes sortes de ” bibelots ” qui participent de “l’archéologie de l’enfance ” et nous touchent par leur force visuelle.

AD Galerie (34-Béziers)

Originaires de Béziers, c‟est en 1998 que les propriétaires ont décidé d‟y ouvrir une galerie, qui par sa position géographique, est stratégique de par sa proximité de Sète, le berceau de la figuration libre.

Depuis 2003, la galerie est dorénavant installée dans un local beaucoup plus grand de 160m² situé au 7 place Jean Jaurès.

Le but était de créer à Béziers un espace culturel unique, contemporain, résolument design où volume et sobriété sont les maitres mots.
Ad Galerie propose une palette d‟artistes d‟envergure nationale et internationale avec des noms prestigieux de la figuration libre et narrative, deux mouvements qui se succèdent tout en se répondant, l‟un ouvrant la voie à l‟autre, avec des artistes comme Klasen, Combas, Di Rosa, Boisrond et Blanchard.

Elle présente également Didier Chamizo et sa figuration lettrique, et Philippe Huart, artiste nouveau pop avec ses pilules, gélules, Mickeys et pistolets ainsi que Liu Ming, artiste chinois, qui pique dans la réalité quotidienne avec ses scènes de ski ou de plages bondées qui créent ou ne créent pas une relation entre les individus, un lien social en pointillés…

Ad Galerie s‟occupe également d‟artistes émergents qu‟elle s‟attache à promouvoir :

Maxime LHERMET

Maxime LHERMET est né à SETE EN 1974.Il vit et travaille actuellement en FRANCE. Artiste à la peinture non académique qui s‟inscrit entre figuratif et abstrait.

Sa technique particulière de plastique brulé se met au service de ses représentations urbaines.

Maxime Lhermet travaille sur de grandes bâches plastiques superposées et du grillage fin, un pop art revisité au chalumeau, des scènes de rues US avec des pin-up, des taxis jaunes et des pubs aux couleurs saturées.

Les drapeaux sont réalisés à partir du collage sur la toile d‟un dérivé plastique très épais. Toute la surface est ensuite brulée au chalumeau qui sculpte la matière en fusion. La toile est à nouveau brulée en suivant les formes et les motifs du pays choisi qui sont peints avec de la laque industrielle.

L‟artiste charge ses toiles d‟une contenance et d‟un relief hors du commun.

Cédrix CRESPEL

Cédrix CRESPEL né le 9 février 1974, est originaire de Guérande.

Dans un premier temps dessinateur concepteur en bureau d‟étude, puis gainier d‟art, il s‟oriente très rapidement vers une expression beaucoup plus créative telle le design, l‟architecture d‟intérieur, la photo, la musique mais surtout la peinture qu‟il a toujours pratiquée. Ce parcours atypique en fait un artiste emblématique d‟une génération issue de la culture pop, rock, urbaine, ouverte sur son époque.

Les oeuvres de Cédrix CRESPEL explorent, entre douceur et violence, le féminin contemporain où la femme est mise en scène dans un univers symbolique de manière élogieuse. Ses à-plats parfaits à la Glycéro donnent une impression glacée contredite par l‟énergie des couleurs.

Philippe HUART

Artiste Nouveau Pop qui traque le réel et le quotidien pour mieux exaspérer les contradictions et les obsessions de l‟époque. Puisant son inspiration dans la contre-culture contemporaine, Philippe Huart s‟est totalement imprégné des contradictions, de la folie et des incohérences du monde moderne.
Philippe Huart cherche à démontrer l‟effet que peuvent avoir le marketing et la consommation sur notre inconscient.

L‟artiste s‟enfonce encore plus profondément dans l‟exacerbation du réel lié à la société de consommation et des dépendances en résultant.

Eric LIOT

Eric LIOT est né le 25 avril 1964. Artiste contemporain, héritier de la figuration narrative, Eric Liot est successivement peintre, sculpteur, assembleur et collagiste.

Il utilise sans relâche les icones publicitaires ou les super héros qu‟il assemble dans une mise en scène contemporaine.

Le bois demeure son matériau de prédilection qu‟il utilise pour créer une sorte de collections imaginaires ou les symboles se hissent au rang de logos.
L‟assemblage et le collage d‟images simples et fortes provoquent immédiatement une réaction ou ce réel qui nous est familier nous emporte vers son univers imaginaire.

Cinequanon Gallery (Londres – Angleterre)

Cinequanon Gallery a été créée par des professionnels du Cinéma passionnés d‟art. Sa vocation est de soutenir et de promouvoir des artistes émergents et de diffuser leurs oeuvres au même titre que celles d‟artistes de renommée internationale.

Basée à Londres, Cinequanon Gallery s‟ouvre sur des talents de nombreux pays. Son catalogue présente des oeuvres de Bernard Bufffet, Francis Picabia, Mohamed Lekleti….…

Pour cette édition d‟ArtNim 2011, Cinequanon Gallery a choisi de présenter un one-man show de l‟artiste peintre Mohamed Lekleti.

Mohamed Lekleti

Né à Taza au Maroc en 1965, Mohamed Lekleti entreprend des études d’arts plastiques à Rabat, qu’il poursuit à Montpellier où il vit et travaille aujourd’hui.

Mohamed Lekleti, passionné de dessin et de lecture, axe son travail sur les mythes, toutes civilisations confondues.

Ses oeuvres, à mi-chemin entre dessin et peinture, puisent leur inspiration dans la richesse de cette dualité.

S’il a initialement travaillé sur le vide et des personnages filiformes, Mohamed Lekleti est passé par un changement radical pour embrasser l’espace en sa totalité, le conduisant – par déformations et distorsions progressives – à la rondeur des formes, à un déploiement dynamique de ses personnages qui occupent souvent toute la surface de la toile.

Ses personnages, opulents, déformés par les épreuves du quotidien, contraints par des liens et connectés, presque animés, par les nécessités de la vie, flottent néanmoins dans un espace-temps parallèle, indéfinissable, où ils semblent se chercher, qu’ils chevauchent des cycles lancés à toute allure, se connectent les uns aux autres ou qu’ils se fassent piétiner par des chevaux en furie.

Puissance et impuissance alternent dans les toiles de Lekleti, qui n’hésite pas à lancer çà et là une flèche, comme un clin d’oeil, pour donner un sens de lecture. Car ses oeuvres, parce qu’elles contiennent plusieurs niveaux d’interprétation, ne sont pas limpides, elles se méritent.

Tantôt énigmatiques, tantôt spirituelles, elles prennent parfois à la gorge et délivrent une forte charge émotionnelle, entre incertitude, peur, apaisement et pur émerveillement.

Mohamed Lekleti brouille le plus souvent les frontières entre dessin et peinture, sa peinture étant un mélange à base d’acrylique, de fusain, de feutres, de sable…

L’artiste qualifie d’ailleurs son travail de « dessin peint », en rappelant que « le dessin n’est pas mineur, il a autant d’importance que la peinture. Un dessin est en soi une oeuvre achevée ».

Jouissant d’une reconnaissance méritée, Mohamed Lekleti multiplie les expositions en France et à l‟international (USA, Corée, Allemagne, Espagne, Maroc, Belgique, Suisse…).

Editions des Arts Mélés (84-Gargas)

Pour la première fois sur ArtNîm, Les Editions des Arts Mélés présentent les photos de Martine Ques.

Editions Les Aresquiers (34 – Frontignan)

Les Éditions les Aresquiers, créées par Véronique Agostini, en 2007 à Frontignan dans l’Hérault, ont pour vocation de réaliser et de diffuser des livres d’artiste et de bibliophilie, à tirages limités, ainsi que des oeuvres multiples (Illustrations de Haïkus, Estampes et Suminagashi).

Les textes, des auteurs(es) participant à l’aventure des Editions les Aresquiers, sont illustrés d’oeuvres originales, tous les ouvrages sont uniques, soit dans leur intégralité soit par leur couverture.

A l’occasion de ARTNIM 2011, “Les prédictions du Capitaine Van Deyssel”, ouvrage réalisé en collaboration avec Michel Tournier (Prix Goncourt), sera mis à l’honneur et présenté avec un ensemble de gravures qui illustre son roman : “Vendredi ou les limbes du Pacifique”.

Les auteurs suivants seront également présentés :

BUTOR Michel, BENOÎT Pierre-André (PAB), DE NOAILLES Anna, DETAMBEL Régine, DURBEC Sylvie, GUÉNÉGAN Jean-Albert, LASSAQUE Aurélia, PAOLI Angèle, PONS René, PUEL Gaston, RILKE Rainer-Maria, SKIMAO Christian, TEULON-NOUAILLES Bernard (BTN), TOURNIER Michel, VALERY Paul, Véronique AGOSTINI, XAVIER François.

Galerie 22 (84 – Coustellet)

Depuis son ouverture en juin 2007, la Galerie 22 rassemble des artistes issus des arts contemporains et actuels. Peinture, sculpture, gravure, céramique, photographie sont ainsi représentées au travers d’exposition devenues pour certaines des rendez-vous annuels pour les amateurs et collectionneurs d’art.

Alternant artistes confirmés et artistes émergents dans ses choix, la Galerie 22 s’est également ouverte aux artistes internationaux dès ses origines.

Jane DREYER a su imposer un style propre à sa galerie en choisissant des artistes sincères, sans concession et toujours ouverts au monde. Une sensibilité qui touche les visiteurs et donne une cohérence à chacune des expositions ainsi qu’à sa démarche.

Alain GROSAJT

Alain Grosajt peint l’humain par ses traces recueillies, glanées, saisies. Puis dans son creuset intérieur, il transmute les couleurs en valeurs dont il enduit la toile. Des valeurs qui seront la trame de ses séries sur lesquelles griffes, écorchures, traits et courbes composent un alphabet en perpétuel devenir.
Il dessine le singulier, ramène par ses lianes graphiques ou scripturales l’homme dans la sphère du vivant.

Gérard FOURNIER

Peintre depuis la fin des années 60, il pratique la gravure taille douce de 1976 à 1986.

Sous l’influence de la gravure et de l’environnement dans lequel il vit, travaille le schiste et aborde la sculpture.

” D’abord le plaisir de la découverte quand la pierre m‟interpelle par sa forme naturelle, sa structure, son mouvement, ses lignes. Ensuite il faut l’asseoir, lui trouver son équilibre qui va la révéler et lui donner toute sa présence. L‟humaniser en introduisant dans cette matière une idée, une trace, qui sera traduite par une architecture de lumière : le verre. Jouer avec le minéral, l’opacité et la transparence. Créer le mystère, l’insolite dans l’équilibre et l’harmonie. Ma démarche traduit surtout ce besoin profond que j’ai d’être en harmonie avec la nature.»

Jean-Philippe PERNOT

Explorant les mutations anthropologiques Jean-Philippe Pernot développe en permanence les techniques de représentation de ses recherches pour y faire ressurgir un sensible qui s‟y révèle progressivement.

La multiplication des possibles et de l‟unique. Quête permanente mue par le désir de transcrire en image(s), et s‟il n‟en restait qu‟une, les mutations dont l‟être est l‟objet depuis la Renaissance.

Nanotechnologies, sciences du vivant, biotechnologies, transidentité, réalité augmentée, réalité virtuelle, estropie… la part de l‟être se vivant augmente.

Et dans la connaissance, et dans sa capacité à se représenter.
Ainsi s‟écrivent les photographies, vidéos et autres créations de Jean-Philippe Pernot entre l‟infiniment petit, l‟élément, et l‟infiniment grand.

Patrice POUTOU

Né en 1959 à Montmorency, il travaille le bois en autodidacte depuis 1984 et passe de la création de meubles à celle de” meublobjets” à celle “d’objets à vivre”, sculptures.

Textures, strates, scarifications, comme les traces d’une ethnie universelle en quête… Epurer les lignes, ôter le superflu pour toucher au squelette des choses, retrouver l’enfoui, de l’objet, de regardeur.…

Supports proposés à l’imaginaire; ces autels, ces boîtes, reliquaires, si utilité ils ont serait celle de pouvoir… y poser… un espoir, un sourire, une larme, un geste d’amour… recréer à l’envi un cérémonial intime.

Les stèles, choses temps, fossiles de mémoire, comme un appel à une conscience perdue, à l’émotion, à l’élévation….

Galerie Artiane

Après 15 années d’expositions itinérantes et événementielles, en France, en Europe, et à l’étranger, la Galerie ArTiane a ouvert ses portes en Normandie, à 1h30 de Paris en février 2000.

Depuis juin 2004, l‟espace d‟exposition s‟agrandit, et depuis, idéalement située au coeur de Honfleur, celui-ci a permis à la Galerie Artiane de s’implanter durablement et d’acquérir sa notoriété en présentant des oeuvres d’une qualité et originalité reconnues et pertinentes.

Une nouvelle galerie s‟est ouverte fin 2010 sur la Rive Droite, Paris 8ème, lors d‟une exposition commune aux deux espaces sur le thème de l’Eau, où fondations, philosophes de renom, et notoriétés écologiques, artistiques et pédagogiques ont soutenu l’événement.

Souhaitant « pousser les murs », l’équipe de quatre personnes passionnées n’a de cesse de promouvoir et valoriser « ses artistes » au travers de salons d’art contemporain dans lesquelles elle investit sans relâche.

Bernard SAINT-MAXENT

Jeune créateur, Bernard SAINT MAXENT a signé en l‟an 2000 ses premières sculptures, vivantes… Ses personnages partent depuis à l‟assaut de la toile blanche, metteur en scène d‟un cinéma muet ?

L’artiste puise son inspiration tant dans les scènes burlesques du cinéma, de Buster Keaton ou de Charlie Chaplin, que dans la publicité, l’actualité, ou encore les contradictions du monde moderne, voire de l’art contemporain…

Charles FAZZINO

Depuis plus de 30 ans, le nom de Fazzino est synonyme d’un Pop Art 3D lumineux, lunatique et merveilleusement détaillé. Il est le plus connu pour l’énergie frénétique qui infuse son travail et sa technique de mise en couches à trois dimensions unique qui insuffle une vie à ses images.

Fondateur du mouvement 3D aux Etats-Unis, l‟artiste confie ses originaux au Museum Editions LTD en exclusivité, pour une construction sérigraphique en 3D, entièrement découpée, assemblée, avec insertion de cristaux de Zwarowski, signée et numérotée en édition limitée.

Jean-Georges INCA

Le Peintre Jean-Georges INCA travaille, invite à rendre à la beauté ses lettres de noblesse, à l‟homme son émotivité au coeur de cette beauté : il y a toujours des aurores aux doigts de rose…

Il prend ainsi le contre-pied des arts « à la mode » quand ces derniers témoignent, fusse avec génie, des laideurs et de l‟horreur qu‟a enfanté le siècle.
De l‟Arctique à l‟Antarctique, des Alpes à l’Himalaya, des Volcans à l’Eau, « sang de la terre», le peintre oeuvre à exalter les hauts lieux de notre terre en une peinture moderne, transcendante.

Au seuil de ce 3e millénaire, la peinture de Jean-Georges INCA se voudrait portée par une intuition profonde, ancestrale : la matière est esprit, comme aussi l‟esprit, matière.

Jean-Louis TOUTAIN

Très jeune, déjà il se passionne pour la peinture. À 14 ans, il entre aux Beaux-Arts de Toulouse. Il touche à toute sorte de métiers, de maçon au design industriel et à l‟ergonomie. C‟est en 1987 que Toutain décide de se consacrer à ses propres créations.

Il obtient en 1991 la médaille des “Meilleurs Ouvriers de France”, pour son oeuvre sculpturale et décorative.

En 1995, suite à un imprévu, pour accompagner son exposition de sculpture, il s’attaque à la peinture. Et c‟est ainsi, qu‟il présente sa 1ère expo personnelle, sur le thème du cirque.

Qu‟il se fasse peintre ou sculpteur, TOUTAIN crée un être familier, humain, dont il revendique la paternité. Le corps massif et les membres suggérés, laissent le mouvement en suspens, et ouvre la porte de notre imaginaire.

Volker KÜHN

Volker KÜHN est né en 1948 à Neuenkirch (Allemagne). Il vit et travaille à Lilienthal et expose chaque année dans de très nombreuses galeries européennes et américaines.

Après une série d‟expositions au Japon en 1986, Volker Kühn décide de ranger ses outils de graveurs et de mettre en matière ses idées. Apparaissent alors « les Objets », de petites scènes en trois dimensions qui relatent les joies et les peines de chaque homme.

Ces instantanés de vie font sourire ou même rire celui qui les regarde car il s‟y retrouve.

Galerie Berthéas / Les Tournesols (42 – Sait Etienne)

Fondée il y a plus de 20 ans, la Galerie BERTHEAS – LES TOURNESOLS est aujourd‟hui présente à Vichy, Roanne et compte deux établissements à Saint Etienne.

Spécialisée dans la figuration libre, narrative ainsi que dans les nouveaux réalistes, la Galerie BERTHEAS – LES TOURNESOLS s‟attache à présenter de manière permanente les grandes signatures de l‟art contemporain de la scène internationale mais également à soutenir et financer la production de jeunes artistes émergents.

En permanence :

R.Combas, Erro, D.Chamizo, b.Spark, Ben, Arman, César, C.Gilli, J.Villeglé, P.Klasen, A.Segui, W.Sweetlove, D.Cintract, Buddy Di Rosa, C.Venard, J.P.Van Lith, Folon etc.

BEN

Ben, de son vrai nom Benjamin Vautier, est un artiste français d’origine suisse, né le 18 juillet 1935 à Naples en Italie. Membre du groupe Fluxus, Ben est un artiste majeur de l’avant-garde artistique française connu pour ses performances, installations et peintures. Il devient connu du grand public à partir les années 1960, à travers notamment ses « écritures » déclinées sous diverses formes.

Si Ben a fait de la poésie, du théâtre, du cinéma, de la musique, a fondé de nombreuses revues, exposé dans des galeries et des musées internationaux, ce sont moins les objets finis qui composent son oeuvre que les gestes et les paroles qui les expliquent ainsi que les réflexions sur sujet…

Robert COMBAS

Robert Combas passe son enfance et adolescence à Sète. Il “manipule” les images de la vie quotidienne, tout en y mêlant références historiques et mythologiques. Cultivant un style inspiré de la bande dessinée et du graffiti, il crée une peinture tantôt désinvolte et humoristique, tantôt violente et sensuelle.

Robert Combas a apporté à l’aube des années 80 une nouvelle peinture figurative.

Présent sur la scène artistique dès 1979, Robert Combas est le créateur d’un mouvement que Ben appela “La Figuration Libre”…

Antonio SEGUI

Antonio Segui est né en 1934 en Argentine. Après avoir voyagé dans le monde entier, Segui s’installe à Paris en 1963. La peinture figurative de Segui se développe par séries. Dans les années 60 et 70, le peintre aborde, de façon satirique, l’histoire de l’Amérique Latine. Depuis, les séries sur les paysages de Paris, les paysages de New York, les Parcs nocturnes témoignent d’une oeuvre qui n’est pas étrangère à la bande dessinée…

Benjamin SPARK

b.SPaRK est un artiste franco-belge né en 1969, qui vit et travaille à Bruxelles. A 28 ans, il suit une formation en dessin à l‟Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris, puis part se perfectionner aux Etats-Unis, avant de s‟installer en Belgique, pour se consacrer entièrement à son art. A la fois peintre et plasticien, b.SPaRK donne naissance à des personnages fantasmagoriques, issus de la BD, de la caricature, de la publicité et des symboles ancestraux de l‟humanité.

b.SPaRK apparait comme une véritable locomotive de la « street pop » bruxelloise, une mouvance qui revendique la synthèse de la pop américaine et de la culture de l‟art urbain européen.

Jean-Paul VAN LITH

Jean-Paul Van Lith est un plasticien “aventurier” du verre, plus que verrier, dans le sens traditionnel. Cet artiste, au talent prolifique et audacieux, a un parcours traversé d’expériences et de techniques multiples : Céramique, Verrerie, Design, Peinture, Sculpture.

Promu Chevalier des Arts et des Lettres en 1985, son oeuvre a fait l’objet en 1991 d’une rétrospective au Musée National de la Céramique de Sèvres, hommage très rare à un artiste de son vivant…

Yolande BASTONI

Artiste émergente née en Provence, Yolande Bastoni se spécialise dans la conception et la mise en oeuvre de nouvelles technologies appliquées à l‟art et au design. Elle s‟est fait remarquer à travers ses sculptures à partir des années 1999 en exposant au Château de Gordes, au côté de Victor VASARELY. Elle figure dans l‟ouvrage « Sculpteurs et Plasticiens du 21ème siècle » édité par le Syndicat National des Sculpteurs.

Mariage sémantique inédit entre le « bunny » et l‟oeuvre « sexy », ses «buxy » ont un air familier et sympathique, avec leur profil en forme de clin d‟oeil au célèbre rongeur, icône du magazine « Playboy» à qui elle a donnait un corps en 3D.

Galerie du Chapitre (30- Nîmes)

Quel meilleur endroit que le coeur historique de Nîmes, et plus particulièrement la rue du Chapitre pour abriter une galerie d‟art contemporain. Nichée entre le Musée du Vieux Nîmes, l‟Ecole des Beaux-Arts et les magasins élégants de l‟Ecusson.

Elle se veut un lieu de rencontres et d‟échanges tant pour les artistes que pour les collectionneurs et amateurs d‟art.

Alain CAMPOS

Artiste peintre né en à Casablanca au Maroc – Chevalier des Arts et Lettres. Référencé dans la dernière édition du Bénézit (1999) – De 1982 à 1989, il participe à de nombreuses manifestations en France et l‟étranger, au sein du groupe Banlieue/Banlieue. Représenté par des galeries d‟art en France et à l‟étranger.

Daniela MONTECINOS

Artiste peintre d‟origine chilienne, Daniela apporte à ses dessins et collages un peu des drames vécus par son pays et sans doute aussi sa vision du statut de l‟artiste comme un marginal dans un monde impitoyable où il se voit à errer au fil des rues.

D’où la thématique obsessionnelle du chien solitaire auquel on peut ajouter des chaussures, celles-là même qui permettent d‟avancer, les chaussures de la peinture, celles qui font de l‟animal à quatre pattes un être humain.

Galerie Drougard (33-St Emilion)

Après 3 années passées dans sa “Galerie du Château” (et ses 9 salles) au coeur de la vieille ville de Pau, Jack DROUGARD est venu en 2009 partager sa passion de l‟art à Saint-Emilion.

La Galerie Jack DROUGARD a ouvert sa saison 2011 avec un tout nouveau visage… où la couleur et l‟image, mais aussi l‟originalité et le talent, viennent sublimer les murs en pierre chargée d‟histoire de la galerie.

Nathalie DESHAIRS

Après des études aux Beaux-Arts d’ Aix en Provence, Nathalie DESHAIRS enseigne à l’Ecole d’Arts Plastiques de Menton de 1993 à 2004.
Depuis Nathalie DESHAIRS vit toujours dans les Alpes Maritimes mais se consacre désormais exclusivement à SA peinture.

Elle nous propose un travail, d‟une rare sensibilité, autour du corps et du mouvement.

Son trait à la fois puissant et fin vient embrasser couleurs et matières au coeur de toiles magistralement équilibrées, qui flirtent entre abstraction et figuration.

Etienne GROS

Diplômé des Beaux-Arts de Paris, Etienne GROS est un artiste de renommée internationale.

Ses torses, ses flancs, ses bassins, ses dos, ses genoux, ses épaules…libérés de leur architecture corporelle, prennent une dimension qui leur est propre, et une force mystérieuse, sous les riches effets de la matière et de la couleur.

Jack DROUGARD a également souhaité vous présenter les « fumées » d‟Etienne GROS,

Un travail de dépôt de carbone sur papier tout à fait insolite et d‟une rare finesse que ce soit au niveau des gris, des formes ou du rendu final …

Rémi TROTEREAU

Anxieux, rongé par le doute, tour à tour bourru et chaleureux, grognon et disert, fêtard ou profondément solitaire, TROTEREAU cultive les paradoxes mieux que quiconque.

Pas facile de démêler les fils d’une vie pour cet artiste attachant, construisant contre vents et marées une Oeuvre Expressionniste particulièrement impressionnante et d’ une rare puissance !

Peintre et sculpteur de renom, TROTEREAU, qui vient de passer la cinquantaine, dispose en effet de tous les ingrédients pour nous proposer une des plus puissantes peintures Expressionniste de ce début de siècle.

Galerie Françoise Souchaud (69 – Lyon)

La première fois qu‟on entre dans la galerie de Françoise Souchaud, ce que l‟on note d‟emblée, c‟est l‟attention portée au visiteur et la chaleur de l‟accueil qui s‟harmonise avec le rouge profond, façon Louvre, du grand mur de droite.

Et puis, plus tard, quand on pratique régulièrement l‟endroit, c‟est l‟assurance de la divine surprise pour chaque nouvel artiste exposé.

En effet, Françoise Souchaud n‟a ni « ligne » attendue, ni tendance prédéfinie, ni « sensibilité » spécifique, ni démarche exclusive. Elle privilégie une liberté de respiration, une disponibilité de l‟oeil, une ouverture au monde et aux gens, à travers la diversité de ses propositions esthétiques.

Car ce qui compte pour elle, c‟est la force de l‟invention plastique, l‟évidence sensible, la qualité de la mise en forme, sa sincérité, son mystère irréductible, et non bien sûr son formatage de produit attendu à destination de telle ou telle catégorie d‟amateurs d‟arts.
Assurément, Françoise Souchaud « cible » les non-ciblables, c‟est-à-dire les autonomes de la pensée et de la sensibilité, les non-alignés, les inventifs, les vivants, les gens libres et aimant l‟art comme aventure spirituelle intime.

Et c‟est ainsi que depuis son ouverture en 2003, des artistes de toutes « tendances », techniques et modes d‟expressions se sont succédés : des abstraits aux figuratifs, des intériorisés aux expansifs, des plus « spontanés » aux plus « savants », des internationaux aux régionaux, des très célèbres aux parfaits inconnus… tous ayant en commun, cette volonté de mettre en forme une vérité personnelle unique et donc d‟inventer pour cela un langage propre, surprenant , novateur et naturellement contemporain.

Artistes présentés : Christine Trouillet, Martine Bligny, Brigitte Dykman, Jean Guy Paquet, Evelyne Galinski, Marion Tivital, Guy Brunet et Un cabinet de dessins.

Galerie French Touch

Au coeur des remparts de la cité médiévale d‟Aigues-Mortes, la galerie French Touch ouvre ses portes pour la première année.
Installée dans les bâtiments de l‟ancienne poste de la ville, la galerie French Touch dispose d‟un espace d‟exposition de plus de 150m² et d‟un jardin de 80m².

French Touch souhaite présenter la diversité artistique de l‟art contemporain français, en exposant aussi bien des artistes confirmés que de « jeunes talents » en devenir tels que :

Jean-Marc IRIGOYEN

Plasticien, né en 1957, Jean-Marc IRIGOYEN s‟est toujours intéressé à la technique qu‟elle soit artistique, industrielle, ou numérique.

L‟univers artistique de Jean-Marc IRIGOYEN est un mélange de technologie, d‟influences familiales, de souvenirs d‟enfances, dont il a extrait une farouche volonté d‟originalité, d‟indépendance et d‟imprévisibles attitudes que ses toiles reflètent.

Du concret au virtuel, loin des expressions figuratives, il se laisse guider par l‟entrelacement des couleurs directement sortie du tube acceptant tout mélange, toutes transparences qui naissent au bout de ses outils inattendus. S‟impose alors sur la toile le résultat fantasque de son agitation incontrôlée.

Piero MOSTI

Artiste peintre italien, Piero Mosti vit et travaille en Toscane. Reconnu dès sa sortie des Beaux-Arts de Carrara, par les plus importants critiques d’art, comme coloriste exceptionnel, il n’a cessé d’exposer dans les grandes foires internationales et à travers toute l’Europe.

L’univers de Piero Mosti est fait de souvenirs et de simplicité. Ce peintre réussit à suspendre le temps. Il vous transporte dans ses jardins d’Eden, des espaces clos où l’on se sent bien. Peut-être parce que l’atmosphère qu’il recrée respire le silence et la sérénité. Peut-être aussi parce que ces paysages lumineux invite à la méditation.

Giovanni INGRATO

Giovanni INGRATO est né à Montpellier mais et d‟origine italienne. Peintre et sculpteur depuis son plus jeune âge (11 ans), Giovanni INGRATO est un artiste qui fréquentera les Beaux-Arts de Montpellier en cours du soir vers l‟âge de 20 ans, puis il continuera seul son parcours initiatique, il affirme son tempérament créateur au fil des oeuvres qui naissent sous ses mains.

L‟actualité l‟inspire et le blesse, l‟agresse ou le fait rire. Il crée plusieurs collections et finit par définir sa propre symbolique. La maturité ayant amené une certaine sérénité, il définit sa nouvelle orientation Jazzy-Dripping, et ses tableaux deviennent des symphonies de joies et de rêves, parfois assombris par la dureté du monde.

Des expositions locales ou galeries et salons internationaux, Giovanni INGRATO est un artiste professionnel, aux cotations Drouot depuis 2003, et AKOUN en 2008 qui poursuit sa carrière avec une passion et une créativité sans cesse renouvelées.

Patrick PENEL

Patrick Penel, né à Valence dans la Drôme, le 16 mai 1963. Autodidacte, ses inspirations sont dues à Rodin, Michel-Ange, Barye, Bartholdi. La sculpture est devenue son expression sans doute parce que les mots ne venaient pas.

Son attachement à la terre vient du fait que pour lui, elle est universelle, chacun la façonne avec sa propre culture et sa propre personnalité.

Elle met en évidence les fissures, la rugosité, la force, la solidité, la douceur, la sensualité et la fragilité de notre propre vie à travers la synergie du travail et de la matière. Son oeuvre est figurative mais ne cherche pas la perfection du réalisme. Son travail est présenté sans fard, à nu,…”parce que l‟on ne voit bien qu‟avec le coeur”…

Yann LEON-PHILIP

Né en 1978, Yann LEON-PHILIP n‟a jamais cessé de dessiner. De formation classique, la découverte du numérique et de la tablette graphique ont définitivement épanoui sa créativité. Il a enfin pu se libérer des contraintes du dessin sur papier pour explorer plus « techniquement » les inspirations réminescentes de son enfance.

L‟univers graphique de Yann LEON-PHILIP est un mix de divers courants picturaux formaté par le petit écran et la profusion d‟images qui en a découlé. Il travaille essentiellement sur des sujets qui reprennent les canons de la Science-fiction et du conte, arrangés à la sauce pop. Remodeler le mythe pour en faire son hyper mythe.

Galerie Home (30 – Nîmes)

Depuis de nombreuses années, cette galerie contribue à la promotion et à la vente d’oeuvres d’artistes contemporains aux accents picturaux parfois très différents, mais ayant en commun la maitrise de leur technique et la maturité de leur travail. Leur volonté est de rendre accessible et directe la commercialisation de pièces uniques de peintres ayant acquis cotation et renommée.

BOCAJ Natif de Paris, où il a suivi l‟école des Beaux-Arts avec César comme professeur, Jean-Paul Bocaj a choisi le sud comme oasis de repos. Le dessin, art qu‟il exerça dans plusieurs journaux, associé à la peinture et à l‟aérographe, le conduisent à une expression néo figurative, résolument provocante, parfois licencieuse, mais sans jamais tomber dans le piège de la vulgarité.

Il peint dans l‟urgence à partir d‟un mélange de photos et de flashs visuels. Ses acryliques aux couleurs vives conjuguent inlassablement la beauté du corps féminin.

Galerie HUSZart (Hongrie)

La Galerie HUSZart n‟est pas une ‟‟galerie commerciale” dans le sens classique du terme. Son unique vocation est la commercialisation des tableaux de Zsuzsa GESZTELYI NAGY (GNZS) et Gyula MEDGYESSY-KOVÁCS (MKGY) étant leur représentant direct et exclusif devant les acheteurs et les galeries.

La Galerie HUSZart espère véritablement contribuer à la présentation de l‟art de GNZS et MKGY et que les amateurs d‟art contemporain pourront – après Victor Vasarely, représentant de l‟Op-Art, Arpad Szenes, peintre non-figuratif, Nicolas Schöffer, sculpteur et plasticien, Judit Reigl, Tibor Csernus, peintres contemporains – découvrir deux autres artistes hongrois et qu‟ils sauront apprécier leurs oeuvres.

Gyula MEDGYESSY-KOVÁCS (MKGY)

Né en 1963 à Debrecen (Hongrie). Diplômé de l‟Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (faculté peinture d‟art) de Budapest, ses tableaux ont été exposés dans des galeries privées et publiques dans plusieurs villes d‟Europe. On peut retrouver ses oeuvres dans des collections privées et publiques quasiment partout en Europe, aux Etats-Unis, au Canada, au Mexique, au Proche-Orient et même en Australie.

“Dans sa génération, MKGY présente, à l‟échelle européenne, des performances exceptionnelles. Il réalise ses oeuvres avec une brillante compétence technique. Ces dernieres sont caractérisées par une exigence philosophique et par une reproduction humaine faillible. Ses fleurs pourraient être des natures mortes mais elles sont beaucoup plus: elles symbolisent la sensualité de la nature et la non-abolition de la vie.”

Loránd Bereczky

Directeur en Chef de La Galerie Nationale de Hongrie

Zsuzsa GESZTELYI NAGY (GNZS)

Née en 1970 à Debrecen (Hongrie). Diplômée de l‟Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (faculté peinture d‟art) de Budapest.
Ses tableaux ont été exposés dans des galeries privées et publiques. On peut retrouver ses oeuvres dans des collections privées et publiques en plusieurs pays d‟Europe.

Les tableaux vifs de GNZS sont pleins d‟énergie, de joie, du bonheur et d‟optimisme. Elle adore les couleurs de ton pastel, directes et même de néon. Ses natures mortes décomposées abstraites sont accentuées par leur couleurs vivantes et par le jeu de lumière.

Galerie Ibowili (92- Chaville)

Inaugurée en 2009, cette galerie qui présente des artistes professionnels de qualité, souvent de renommée internationale, prend vie au travers de lieux d‟expositions en harmonie avec leur univers artistique.

Kasper

Sculpteur-Peintre français, né à Paris en 1962, son oeuvre multiforme marque la diversité de ses talents. Kasper crée différents univers où se côtoient les thèmes mythologique, équestre, maritime et animalier. Entre classicisme et modernité, toutes ses oeuvres dégagent une force qui ne laisse personne indifférent. Sa sculpture intuitive reflète sa générosité, sa personnalité haute en couleurs et suscite l‟émotion. Aujourd‟hui, l‟art de Kasper s‟exporte jusqu‟au Moyen-Orient, pour des familles royales. Plusieurs “Musées de France”, ont intégré ses oeuvres dans des expositions temporaires ou dans leurs collections.

Michel AJERSTEJN

Michel AJERSTEJN photographe plasticien, proposera pour cette exposition diverses créations photographiques sous le reflet lyrique de notre quotidien. Son thème de prédilection est inspiré, tant par l’espace public, que par les objets jadis utilisés (« continental machine ») ou en vogue de nos jours (chaussures) que par les scènes de vie de la rue (Milk)

Les spectateurs sont plongés dans un monde sublimé, épuré ou coloré relatant pourtant des situations les plus ordinaires côtoyés par nos yeux sans le même égard.

Aline JANSEN

Née à Montpellier en 1954, Aline Jansen développe un travail surréaliste sur une dizaine d‟années où l‟image figurative domine révélant un symbolisme poétique et lyrique. Son goût pour les sciences lui suggère ensuite de nouvelles approches originales tant dans sa conception que dans son expression. Elle évolue vers l‟abstraction, une abstraction lyrique avec la nécessité de composer, d’élaborer, d’échafauder et de construire…

Pour cette exposition à Artnîm, Aline Jansen réalise des photographies réconciliant la nature avec un paysage urbain. Ces deux univers s‟enlacent respectueusement pour former une entité graphique sublimée, aérienne, équilibrée, comme pour rappeler que la nature a encore une place dans notre ville.

Frédéric GRIMAUD

Auteur Photographe, Frédéric Grimaud a très jeune baigné dans le monde de la photographie.

Autodidacte, il affine son regard par cette volonté d’extraire du temps, la scène regardée, afin de la transmettre telle qu’il l’a perçue.

Véritable penseur d’images, il restitue toute la magie de la couleur et du noir et blanc. L’abstrait, l’humain, la musique en surimpression, le portrait, les voyages (Inde, Népal, Haïti un an après le séisme), les graffs et friches industrielles (Livre La Mauvaise Herbe Urbaine, 2006), le corps en mouvement, les matières… traduisent l’atmosphère du Photographe.

L’image Strange Midge lui a valu le 1er prix au concours international de la photographie (IPA) Lucie Awards à Los Angeles et la 2e place au concours Black & White Spider Awards.

Galerie Le soleil sur la place (69 – Lyon)

Créé en 1997 par Michèle et Michel Roux-Levrat, rejoints en 2008 par leur fils Aurélien, Le Soleil sur la Place est un lieu ouvert et chaleureux, présentant des artistes d’aujourd’hui.

Authentiques et voués à leur art, ces peintres et sculpteurs sont choisis avec soin pour leur personnalité et la qualité de leur travail. La plupart sont reconnus sur le plan national et international, tels Alain Chevrette, Hilary Dymond, Michel de Matteis, Emmanuel Michel, Philibert-Charrin, Francisco Sepulveda, Tony Soulié, Philippe Tardy…

De jeunes talents sont également découverts et promus par la galerie. C’est le cas notamment de Christophe Boverli et de Charles Plumey-Faye.

L’exposition présentée sur le stand de Nîmes aura pour thème la ville de New-York et réunira le travail de 4 artistes :

Christophe BOVERLI

Né en 1968 en Savoie, Christophe BOVERLI est pendant 15 ans graphiste illustrateur. Il explore durant cette période différentes approches picturales, et participe à des concours de peinture en Savoie, obtenant les premiers prix.

C’est en 2006 que New-York provoque en lui le déclic et devient l’essence de son inspiration. Nait de cette rencontre une série de toiles peintes à l’huile dans un style résolument figuratif.

Le Soleil sur la Place l’exposera à Lyon en 2012.

Charles PLUMEY-FAYE

Charles PLUMEY-FAYE a 25 ans. Il est licencié en Science Politique et en Sociologie.

Fils de peintres, il se passionne déjà pour la photographie lorsqu’il part pour 1 an à Pékin apprendre le mandarin. Là, il décide de réorienter sa vie professionnelle vers la photographie.

Ses premières expositions ont lieu en 2008 (Fondation Dosne Thiers à Paris) et 2009 (Galerie Clair à Munich, Allemagne).

Le Soleil sur la Place le présente depuis 2009 et sa première exposition personnelle dans une galerie française aura lieu à Lyon début 2012.

La série présentée à Nîmes est centrée sur les photographies réalisées à New-York en 2009 et 2011.

Emmanuel MICHEL

Né en 1970, très axé sur la rencontre des êtres humains et de leur culture, il conjugue à merveille ses deux passions : le voyage et la création artistique (dessin, peinture, sculpture).

Il réalise des carnets de voyage très documentés qui lui permettront de revivre les scènes vécues.

Parmi ses derniers voyages, il en est un qui l’a beaucoup marqué, très différent des autres : la ville de New-York. Les peintures présentées à Nîmes ont été réalisées pour ce salon.

Elles racontent les scènes de la vie quotidienne à NY : ses rues animées, ses habitants.

Grâce à sa parfaite maitrise du dessin et de la peinture et la flamboyance de ses couleurs, il nous propose des toiles vivantes, chaleureuses et optimistes.

Galerie Mario di Masso (34 – Montpellier)

Ouverte depuis avril 2010, la Galerie Mario di Masso représente diverses disciplines comme la peinture, l‟aquarelle, le dessin, la sculpture, ou encore la photographie … Diverses tendances sont aussi représentées : figuratif, expressionnisme, fauvisme, abstrait, moderne, contemporain … à travers les oeuvres d‟artistes confirmés comme émergents.

Bruno EDEL Né en 1939 à Turin, cet ancien designer chez FIAT et FERRARI vit actuellement sur le lac Majeur en Italie. Il a exposé chez GIANFERRARI à Milan, PRAT Institute à New York. Il exposera en septembre chez TORNABUONI à Florence. Il a connu personnellement Giorgio de Chirico, Cesare Zavattini et Francis Bacon.

Gabriel DIANA Né en 1942, en Toscane, il est l‟héritier de la tradition des fondeurs étrusques. Il vit en Corse, près de Bastia où il a créé son propre musée, le DIAN’ARTE Museum. Il a exposé récemment à la galerie ARTEMISIA et dans le jardin exotique de Monaco. Jacques SOUM

Né en 1957, il est aujourd hui publicitaire graphiste chez Havas. Depuis plus de dix ans, il travaille sur l’assemblage d’images numériques sur lequel il vient déposer la matière picturale. Ses tableaux évoquent la civilisation du “zapping”, la collision des époques provoquée par l’accélération temporelle permise par l’informatique et les médias.

Galerie Matthieu (69 – Lyon)

Habituée des grandes Foires d‟Art Contemporain françaises (Art Paris, St‟art) et européennes comme Art Basel et Art Prague, la Galerie Mathieu sera présente à ArtNîm pour la deuxième année consécutive. Elle mettra notamment en avant les oeuvres de Michel POIRISSE ainsi que celles d‟autres artistes comme Aurélie NEMOURS ou Miroslav MOUCHA.

Galerie Monade Nomade (30- St Etienne de l’Olm)

Créée en 2010, la galerie Monade-Nomade, dirigée par Jean-Marc LENOIR, se situe à Saint-Etienne-de-l’Olm, dans le Gard.

Si l‟entendement des hommes aborde la question de l’infiniment petit dans l’univers, la monade représente, selon Leibnitz, cette part intime et indissociable chez l’être humain. Chargée d‟énergie et de conscience, empreinte de nomadisme, elle nous rend différent selon l‟expérience du milieu.

La galerie Monade-Nomade a cette exigence du milieu naturel et de la recherche des profondeurs de l‟intime. Située au coeur des paysages cévenols, entre vignes et roches calcaires, elle tend à s‟ouvrir à la création de plasticiens qui, à travers divers médias, sont engagés dans ce même projet.

Après avoir inauguré son activité à la foire d‟Art contemporain d‟ ArtNîm 2010, Monade-Nomade a exposée en 2011 à Lille Art Fair puis Chic Dessin à Paris. Elle promeut quatre artistes : Cécile CARPENA, AAZCLAIRICIA, Bertrand PIGEON et André VILLERS, reconnu comme le photographe attitré de Picasso et auquel le Musée de la Photographie à Mougins est dédié.

Bertrand PIGEON

Né en 1961, à Paris, Bertrand Pigeon est un sculpteur aux oeuvres résolument contemporaines. Le béton est sa matière de prédilection. Il a choisi un matériau détourné de son utilisation pour le faire vivre autrement, pour en faire une substance d‟art. En travaillant ses pièces, Bertrand Pigeon, garde les aspérités de construction.

Une surface trop lisse perd de sa nervosité, l‟oeil passe sur l‟oeuvre sans s‟y arrêter. Une surface trop complexe à l‟inverse, fournit trop de détails pour être comprise. Il faut être entre les deux pour offrir une richesse d‟interprétation.

Le vide central est omniprésent dans son oeuvre. Il réalise que les espaces vides sont aussi importants que les pleins. Il crée une vie, ce n‟est plus ce qui est montré mais ce qui est suggéré qui engendre le mouvement.

Galerie Nadar (Casablanca – Maroc)

Pour sa première participation à ArtNîm, la Galerie Nadar fait le déplacement de Casablanca pour présenter différents artistes.

Eric CAVALOC

Depuis plus de 20 ans, Eric CAVALOC travaille, recherche et développe une expression plastique toujours plus personnelle. Installé depuis plus de 10 ans au Maroc, il a su prendre les couleurs, les motifs et l‟esthétique de la culture marocaine.

S‟attachant à l‟existence de l‟être et à son mode de communication, il crée un monde qu‟il qualifie de “COMBINATOIRE”.

Parce qu‟il a voulu montrer l‟évolution de sa recherche en piochant dans ses archives, ses recherches et ses études, CAVALOC a choisi le titre « EVOLUTION » à sa dernière exposition en Juin 2011 à la galerie Nadar où il a présenté plus d‟une soixantaine d‟oeuvres inédites sur papier.
Il a associé également l‟écriture à son travail en faisant participer des auteurs qui ont exprimé leur ressenti au regard de son univers combinatoire.